Les temps culturels forts de l'année 2025

La forme courte proposée par la compagnie Les Temps Blancs / Théâtre inachevé plonge le public au cœur d’un laboratoire scientifique. Deux interprètes se glissent sous les feuilles qui envahissent le bureau de la botaniste et entreprennent de remonter la tige de ses recherches jusqu’aux racines du désir botanique. Qu’est-ce qui conduit l’étonnement scientifique vers ces vivants étranges que sont les plantes ? Comment naît, se construit et se transmet un regard scientifique sur le monde végétal ?

À travers cette immersion sensible, EXTRA BOTANICA fait dialoguer théâtre et botanique, poésie et classification, imagination et rigueur scientifique. Des haies du plateau de Saclay aux forêts brésiliennes, le spectacle évoque la nomination, la cartographie et la classification des espèces, tout en révélant la diversité des lignées végétales et les spécificités de certains organismes. Une rencontre inattendue se dessine sur scène : celle d’une biologiste moléculaire et d’un palmier. De ce dialogue poétique émerge un parcours à travers l’évolution, la reproduction des plantes et leurs représentations à travers les siècles.

Dans le prolongement du spectacle, à l’Université Evry Paris-Saclay, deux ateliers de pratique théâtrale ont été proposés aux étudiant·es, animés par l’équipe artistique. Ces temps d’expérimentation ont permis d’explorer concrètement les questions soulevées sur scène : comment faire dialoguer théâtre et recherche scientifique ? Comment incarner une théorie, une découverte ou un questionnement scientifique ? Comment traduire un savoir en gestes, en espaces et en voix ? Autant de pistes qui ont transformé la science en matière vivante, à éprouver et à mettre en jeu collectivement.

Cette démarche illustre pleinement la capacité de l’université à faire dialoguer disciplines, pratiques artistiques et recherches scientifiques, tout en ouvrant de nouveaux espaces de réflexion sur notre relation au vivant.

L’artiste numérique Marie Le Moigne a présenté Ave Maria – Figure de Marie version augmentée, une installation associant photographie, intelligence artificielle et broderie. Cette œuvre interroge les transformations contemporaines de l’image et de l’identité, tout en mettant en tension technologies numériques et pratiques artisanales. En réintroduisant le geste manuel dans des processus de création augmentés, l’artiste questionne la place du corps, du temps et de la mémoire dans la fabrication des images. En parallèle de l’exposition, deux ateliers de pratique autour de la technique du cyanotype ont été proposés aux étudiant·es. Encadrés par l’artiste, ces temps d’expérimentation ont permis aux participant·es de retravailler leurs propres images, articulant création personnelle, réflexion critique et compréhension des procédés de production visuelle.

La Compagnie Le Centre Imaginaire a quant à elle proposé Nez à nez, une création immersive et olfactive mêlant odeurs, sons et sensations. Vécue en partie dans l’obscurité, cette expérience sensorielle a conduit les spectateur·rices à travers une succession de tableaux olfactifs et sonores, convoquant souvenirs, émotions et perceptions intimes. Conçu en collaboration avec une personne non-voyante, une parfumeuse et des chercheurs du CNRS, le spectacle explore des formes de perception souvent marginalisées dans les dispositifs artistiques traditionnels. À la croisée de la poésie et de la science, Nez à nez propose un rituel contemporain qui place l’humain face à son mystère, au cœur des vapeurs et des nuées de son imaginaire.

Par la richesse et la diversité de ces propositions, cette 11ᵉ édition du festival La Science de l’Art a une nouvelle fois affirmé le rôle de l’université comme lieu d’expérimentation, de transmission et de rencontre entre artistes, chercheur·euses, étudiant·es et publics. Un espace privilégié pour penser collectivement les grandes questions contemporaines liées au vivant, aux technologies et aux formes sensibles de connaissance.

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À cette occasion, un ciné-concert exceptionnel a été proposé, mêlant projections audiovisuelles et création sonore en direct. Cette performance immersive a offert au public une plongée privilégiée dans l’univers singulier de la compositrice, où la musique dialogue étroitement avec l’image pour en révéler les tensions, les atmosphères et les résonances sensibles. Plusieurs œuvres emblématiques ont été présentées, dont Isolation, permettant d’appréhender la richesse, la précision et la force expressive de son écriture musicale. En réponse aux incendies qui ont ravagé l’Australie en 2019-2020, Isolation résonne particulièrement avec des enjeux environnementaux actuels.

L’événement s’est prolongé par un bord de scène réunissant étudiant.es, enseignant.es et spectateur.trices autour d’un échange en direct avec l’artiste. Felicity Wilcox y a partagé ses sources d’inspiration, ses méthodes de composition et les enjeux artistiques propres à la musique de film contemporaine. Ce temps de dialogue a constitué un moment privilégié de transmission, offrant aux étudiants un éclairage concret sur les réalités de la création musicale aujourd’hui, à la croisée de la pratique artistique, de la recherche et des industries culturelles, et les défis que rencontrent les femmes dans leur parcours professionnel.

Compositrice australienne primée, Felicity Wilcox est reconnue comme « l’une des compositrices les plus polyvalentes et prolifiques d’Australie » (Limelight, 2023) et comme « une voix importante de la musique classique contemporaine » (Daily Telegraph, 2021). Ses œuvres sont jouées et diffusées en Australie et à l’international. Elle a reçu de nombreuses commandes d’artistes et d’ensembles de premier plan, a été compositrice et directrice musicale adjointe des Jeux Paralympiques de Sydney en 2000, et a composé les musiques de plus de soixante productions cinématographiques sous le nom de Felicity Fox.

Titulaire d’un doctorat en composition du Conservatoire de musique de Sydney, Felicity Wilcox est aujourd’hui maître de conférences en musique et conception sonore à l’Université de technologie de Sydney. Lauréate du prestigieux Discovery Early Career Researcher Award (DECRA) du Conseil australien de la recherche, elle mène actuellement des travaux sur l’opéra contemporain tout en composant elle-même des opéras. Ses recherches portent également sur la musique pour les médias audiovisuels et les questions de genre. Elle a notamment dirigé le premier ouvrage consacré à la musique de film composée par des femmes (Women’s Music for the Screen. Diverse Narratives in Sound, Routledge, 2022) et co-rédigé en 2023 le rapport Women and Minority Genders in Music sur la représentation des genres dans les industries musicales en Australie et en Aotearoa/Nouvelle-Zélande.

Cette carte blanche illustre pleinement l’engagement des enseignant.es à proposer aux étudiant.es des rencontres directes avec des artistes de premier plan, favorisant le croisement des savoirs, des pratiques et des expériences. Elle confirme la place de l’Université Évry Paris-Saclay comme un espace de dialogue vivant entre création artistique, recherche et transmission.

Née en 1924 en Hongrie, Vera Molnár s’installe à Paris après des études aux beaux-arts de Budapest et un séjour à Rome. Très tôt, elle explore les relations entre création artistique et technologies modernes. Dès 1968, elle fait de l’ordinateur son principal outil de travail, intégrant programmation et algorithmes au cœur de sa pratique. Elle définissait elle-même sa démarche comme située « entre les trois cons : les conceptuels, les constructivistes et les computers ». Longtemps restée en marge des récits dominants de l’histoire de l’art, elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des figures fondatrices de l’art numérique.

C’est ce parcours pionnier qu’Agnès de Cayeux interroge et prolonge depuis plusieurs années. S’intéressant à l’histoire souvent invisibilisée des femmes et des machines, l’artiste mène une enquête artistique et documentaire au long cours, pensée ici comme une exposition-atelier au cœur même de l’université. Son travail l’a conduite de Budapest au cimetière du Père-Lachaise, en passant par les collections du Centre Pompidou et les archives de l’Atelier de Recherche en Technologies et Arts (ARTA).

Le point de départ de cette recherche repose sur un geste à la fois humble et exigeant : la recopie minutieuse des dix premiers journaux intimes de Vera Molnár, afin de s’immerger dans ce que cette dernière appelait sa « poésie informatique ». À partir de cette immersion, Agnès de Cayeux cherche à retrouver l’un des programmes de Vera Molnár, à en restituer la syntaxe, à en comprendre l’aléatoire -choisi ou subi- et à y déceler les traces d’une pensée informatique fondatrice. Pendant plus d’un an, elle collecte souvenirs, archives et impressions ; elle écrit, photographie, filme, programme, tient son propre journal de recherche et compose une série de lettres adressées à Vera Molnár. Ces lettres constituent le cœur sensible et narratif de La timidité des cimes.

L’exposition invite le visiteur à une déambulation libre au sein de cette enquête artistique, entre traces, découvertes et révélations. Le dispositif, conçu comme un journal ouvert, dévoile progressivement la rencontre entre deux artistes, deux femmes, séparées par le temps mais reliées par une même exigence de pensée et de création. Il y est question de filiation, de transmission et d’hommage : celui d’une artiste d’aujourd’hui à une figure fondatrice désormais disparue.

Avec La timidité des cimes, dédiée à l’une des grandes précurseuses de l’art numérique, l’université affirme pleinement son rôle de lieu de dialogue entre les générations, de circulation des savoirs et de croisement entre création artistique et recherche.

Ce projet, à l’initiative du laboratoire numérique SIANA, bénéficie du soutien de la DRAC Île-de-France, du service Nouveaux médias, du pôle Archives du Centre Pompidou ainsi que de Christia Cavadia, fondateur de l’ARTA.